Hagar The Horrible Comics

(An article by Aquib Rubab on comicism.net in June 2023)

Dik Browne’s popular comic strip Hagar the Horrible has charmed readers with its hilarious and daring tales set in the Viking era. Since its debut in 1973, the comic strip has captivated audiences across the world with its funny dialogue, bright visuals, and endearing characters. This timeless comic strip was created by Dik Browne, a brilliant cartoonist.

Hagar the Horrible transports readers to the Viking world, where the foolish yet endearing protagonist, Hagar, finds himself in amusing misadventures. Hagar, a Viking warrior with a golden heart, is famous for his powerful body, wild red beard, and unique horned helmet. Despite his intimidating look, Hagar is frequently portrayed as a gentle family man.

The intelligent and humorous speech is one of Hagar the Horrible’s defining traits. Dik Browne’s work blends puns, wordplay, and situational humour to produce memorable humorous moments. The comic strip frequently explores common topics such as family dynamics, everyday difficulties, and the conflict between ambition and contentment. Readers may relate to Hagar’s exploits and can’t help but laugh at the blunders and oddities he encounters.

The comic strip’s illustrations, also created by Dik Browne, are a visual treat. Browne’s artwork brings the Viking world to life with detailed depictions of bustling villages, majestic ships, and Hagar’s boisterous crew. The characters are animated and expressive, allowing readers to connect with their emotions and adding an extra layer of humor to the stories. Browne’s artistic talent is evident in the vivid portrayal of Viking culture and the attention to detail in each panel.

Hagar the Horrible’s enduring appeal can be attributed to its relatability and universality. Despite the Viking setting, the themes and humor transcend time and cultural boundaries. The comic strip resonates with readers of all ages as it explores the timeless aspects of human nature, such as love, friendship, ambition, and the daily struggles we all face. Hagar’s comical escapades serve as a reminder that laughter can be found in even the most challenging situations.

Over the years, Hagar the Horrible has received widespread recognition and acclaim. Dik Browne’s talent and creativity were acknowledged with prestigious awards, including the National Cartoonist Society’s Reuben Award in 1973 and 1984. The comic strip’s popularity led to its syndication in numerous newspapers worldwide, ensuring its reach to a global audience.

Hagar the Horrible’s cultural impact extends beyond its immediate success. The comic strip has become a cultural icon, inspiring merchandise, adaptations in other media, and even a stage musical. The character of Hagar has become a beloved figure, recognized and adored by fans around the world.

In conclusion, Hagar the Horrible remains a cherished comic strip that has brought laughter and joy to readers for decades. Dik Browne’s creative genius and the timeless nature of the stories have ensured its enduring popularity. Through the adventures of Hagar and his Viking companions, readers find entertainment, relatability, and a reminder to embrace humor in life’s trials and tribulations. Hagar the Horrible will continue to be celebrated as a classic comic strip that has left an indelible mark on the world of humor and storytelling.

One of the comic strip’s strengths lies in its well-developed and endearing cast of characters. Hagar, the affable yet often clueless Viking warrior, is a relatable figure. His struggles with everyday life, familial responsibilities, and the constant clash between his ambitions and contentment strike a chord with readers. Hagar’s wife, Helga, is a strong and assertive character, challenging traditional gender roles and adding depth to the strip’s portrayal of family dynamics. Their children, Honi and Hamlet, offer a youthful perspective and add an extra layer of humor to the stories.

The relationships between the characters in Hagar the Horrible are nuanced and multifaceted. The interactions between Hagar and Helga, for example, often portray the humorous and relatable dynamics of a married couple navigating the challenges of daily life. The strip also explores the camaraderie among Hagar’s crew, highlighting the importance of friendship and loyalty in a world filled with adventure and danger.

Hagar the Horrible comics excel at using humor as a means of social commentary. Dik Browne masterfully incorporates satire and wit into the strip, providing a lighthearted but insightful examination of human behavior and society. Through the Viking lens, the comic strip pokes fun at various aspects of contemporary life, including politics, technology, and cultural norms. This ability to blend entertainment with social commentary has contributed to the enduring appeal and relevance of Hagar the Horrible.

In addition to its humor and social commentary, Hagar the Horrible comics often feature exciting and adventurous storylines. Hagar’s Viking heritage allows for tales of exploration, battles, and encounters with mythical creatures. These elements add an exciting and dynamic dimension to the strip, keeping readers engaged and eagerly anticipating each new installment.

The success of Hagar the Horrible has led to numerous accolades and recognition within the comic strip industry. Dik Browne’s talent and contributions were honored with the National Cartoonist Society’s Reuben Award, one of the highest achievements in the field. The strip’s popularity also resulted in adaptations into animated television series, further expanding its reach and introducing the Viking humor to new audiences.

In conclusion, Hagar the Horrible comics continue to entertain and charm readers with their unique blend of humor, adventure, and relatability. Dik Browne’s creative genius brought to life a vivid Viking world filled with endearing characters and humorous situations. Through its timeless themes, social commentary, and lighthearted storytelling, Hagar the Horrible has left an indelible mark on the comic strip landscape, solidifying its place as a beloved and enduring classic.

La buena estrella del primer Káiser, Guillermo I

(Un texto de Luis Reyes en la revista Tiempo del 8 de junio de 2017)

Guillermo I de Alemania sufre un atentado, el segundo en tres semanas. Era el pan de cada día de los reyes de la época: prácticamente todos fueron blanco de regicidas.

Ser rey se convirtió en una profesión de riesgo durante el XIX y el primer tercio del XX. Desde que la Revolución Francesa desacralizó a los monarcas haciéndoles subir al cadalso, más de treinta miembros de la realeza fueron asesinados en Europa y prácticamente todos los soberanos sufrieron algún atentado. De Portugal a Grecia había una cacería de reyes por anarquistas, nihilistas, marxistas y nacionalistas. Seis atentados, hasta que lo mataron, le hicieron al zar más liberal que ha tenido Rusia, Alejandro II.

Había reyes con una suerte milagrosa, como Alfonso XIII, que sufrió cinco atentados sin resultar herido. En el extremo opuesto del infortunio encontramos a Sissy: la emperatriz de Austria llevaba años viviendo de incógnito, casi en la clandestinidad, sin dejarse fotografiar; casi nadie conocía su cara, pero casualmente se cruzó en Suiza con un anarquista italiano que sí la reconoció, y así, al paso, le clavó un estilete. Nadie se dio cuenta del atentado, ni siquiera Sissy, pero al poco se derrumbó muerta.

Guillermo I, rey de Prusia y luego primer emperador de Alemania tenía siete vidas como los gatos, pues fue herido varias veces y sobrevivió. Su sino debía estar bajo una buena estrella, pues sin ser destinado al trono, que solo alcanzó a la edad de jubilación (64 años), tuvo un prolongado reinado en el que Prusia pasó de nación de segunda fila a primera potencia de Europa, con la economía más fuerte y un alto grado de cultura y bienestar. La Historia sin embargo le recuerda poco, obscurecido por la gigantesca figura de su canciller, Bismark, fundador de la Alemania contemporánea. Pero no habría existido Bismark sin Guillermo I, pues en Prusia nombraba al primer ministro no una mayoría parlamentaria, sino la voluntad del soberano, lo que da a Guillermo I algún mérito en la obra del canciller de Hierro.

Guillermo era el segundón de Federico Guillermo III y según la antigua costumbre nobiliaria se hizo militar. Luchó contra Napoleón y ganó la Cruz de Hierro en el campo de batalla. Cuando tenía 43 años, al subir al trono su hermano mayor que no tenía hijos, se convirtió en príncipe heredero. Era un conservador moderado y creía necesario un sistema constitucional, para lo que buscó asesoramiento de personalidades liberales alemanas y británicas, sin embargo estuvo al mando de las tropas que aplastaron la Revolución de 18481849, lo que le hizo impopular. Lo apodaron Kartätschenprinz, el príncipe Metralla.

En 1857 tomó las riendas del Estado como regente, por la incapacidad mental de su hermano, nombró a un Gobierno liberal que introdujo reformas e hizo el gesto de jurar la Constitución. Era un personaje complejo, pues a la vez que daba estas muestras de liberalismo mantenía un militarismo visceral y un patriotismo extremo, su principal afán era organizar un gran ejército como instrumento de la grandeza alemana. Para estos propósitos, al subir al trono nombraría canciller a Bismarck, que se mantuvo al frente del Gobierno las siguientes tres décadas, aunque Guillermo I discrepaba en muchos aspectos de su primer ministro y ejercía de contrapeso del conservadurismo del canciller de Hierro.

Superviviente

En su prolongada vida pública –murió reinando con 91 años– Guillermo I sufrió varios atentados. Ya antes de la regencia sufrió uno en Maguncia del que escapó felizmente, pero el primero como rey fue al poco de subir al trono, estando de veraneo en el famoso balneario de BadenBaden. Iba paseando a pie por un parque cuando un joven se le acercó por detrás y, a tres pasos, le descerrajó dos tiros de pistola en la nuca.

Inexplicablemente solo sufrió una herida superficial. El terrorista, por fortuna, no era un pistolero profesional, sino un estudiante de la Universidad de Leipzig, Oskar Becker, fanático nacionalista alemán, que consideraba que Guillermo no sería capaz de lograr la unidad de Alemania. El tribunal consideró que se trataba de un desequilibrado y solo le condenó a veinte años de prisión, pero a los cinco años Guillermo lo perdonó, con la condición de destierro perpetuo. Becker terminaría sus días en Egipto.

La clemencia de Guillermo no apaciguó a otros regicidas. En mayo de 1878, siendo ya emperador de Alemania y octogenario, paseaba un bonito día de primavera en coche descubierto con su hija Luisa, cuando un hombre se acercó al carruaje y disparó dos veces un revólver, fallando los tiros. Los viandantes se echaron sobre él y mató a uno de ellos. Era un obrero llamado Emil Max Hödel, antiguo militante socialdemócrata que se había pasado a la “propaganda por el hecho” anarquista, es decir, al terrorismo. La muerte del ciudadano que intentó detenerlo le costó la pena capital y fue ejecutado, aunque Guillermo I estuvo a punto de no verlo.

Tres semanas justas después del atentado de Hödel, paseaba de nuevo en coche descubierto por Unter der Linden, la famosa avenida berlinesa, cuando desde un balcón le dispararon con escopeta. Esta vez los disparos sí le alcanzaron, pero el amor al ejército que profesaba de toda la vida hacía que Guillermo I vistiera casi siempre de uniforme, incluido el pickelhaube, el característico casco de pincho prusiano, le protegió la cabeza, aunque quedo herido grave.

El autor de los disparos era nada menos que un doctor en Filosofía llamado Nobiling, que se saltó la tapa de los sesos cuando fueron a detenerlo. No se mató sin embargo, y llegó a decir que estaba al frente de una gran conspiración. La Policía sin embargo no le creyó. Había muchas botellas de cerveza vacías en su habitación, y pensaron que era un chalado que entre vapores alcohólicos había decidido pasar a la Historia como regicida. Quisieron llevarlo a un manicomio para que los psiquiatras lo evaluasen, pero falleció antes.

Pese a su avanzada edad Guillermo se recuperó de las heridas y estuvo sentado en el trono hasta los 91 años, aunque los terroristas no le darían cuartel. Su último intento lo protagonizó August Reindorf, al que llamaban el padre de la Anarquía. Preparó una mina de dinamita para volar el puente por donde iba a pasar Guillermo I con sus hijos. Pero la estrella del primer káiser hizo que lloviese, el explosivo se humedeció y la trampa infernal no funcionó. El padre de la Anarquía fue ejecutado.­

Ni posos de café ni cáscara de huevo: si echas las sobras de comida a tus plantas las podrías estar matando

(Un texto de Liliana Fuchs en Directo al paladar publicado el 16 de abril de 2023)

El mundo se divide entre los que presumen de plantas frondosas, preciosas y lustrosas en casa, y a los que se les muere incluso un cactus a los tres días. Se nos olvida que las plantas domésticas también son seres vivos y exigen unos cuidados con los que a veces nos pasamos de frenada. Porque, en contra de lo que se suele creer, alimentarlas con sobras de comida es muy mala idea.

Son recurrentes esos viejos trucos de la abuela, remedios caseros heredados de familia o que nos cuentan incluso en la floristería o vivero de donde salimos con nuestra ilusión a llenar nuestra casa de la vivacidad de plantas y flores. También como idea ecológica de aprovechamiento y sostenibilidad, apelando a lo supuestamente "natural". Pero no todo lo natural es bueno, ni para la propia naturaleza.

Ni los posos del café, ni la piel de las frutas ni la cáscara de huevo: olvídate de echar todas estas sobras a tus maceta, jardineras o huerto. No solo no sirve de nada, podrías estar incluso dañando a las plantas, matándolas poco a poco o provocando el desarrollo de hongos, bacterias e insectos.

Por qué los alimentos humanos no nutren a las plantas

No existe ninguna evidencia científica que demuestre el mínimo beneficio de algo como los posos del café o la cáscara de huevo en la tierra de una planta. Y no resulta inocuo, por lo que tampoco es recomendable la idea de "bueno, como tampoco me cuesta nada echarlo, igual algo sí hace". El remedio puede ser peor que la enfermedad.

Estos mitos recurrentes se basan en la idea de que los alimentos que nosotros ingerimos tienen vitaminas y minerales que también las plantas pueden aprovechar. El problema es que las plantas no tienen un sistema digestivo como el nuestro, ni las mismas exigencias nutricionales.

Lo ha explicado en más de una ocasión Eduardo Barba, investigador botánico y jardinero experto en su sección Meterse en un jardín del programa radiofónico conducido por Angels Barceló Hoy por Hoy. Las plantas necesitan que los nutrientes sean previamente descompuestos, pues no son capaces de absorber directamente la materia orgánica. Es decir, sí podemos hacer compost con las sobras orgánicas de la comida, y una vez descompuestas gracias a la acción de microorganismos, sí podemos usarlo como abono natural.

Mitos de remedios caseros para las plantas que pueden dañarlas

Además de no servir para nada, Barba comenta algunos de los remedios más populares que pueden afectar negativamente a la salud de nuestras plantas y huertos.

• Posos de café. La cafeína es un estimulante que puede dañar a la salud de las plantas. También suele acumular humedad en la tierra cuando echamos los posos directamente desde la cafetera, generando hongos o atrayendo microorganismos.
• Canela. Se cree que sirve para combatir los hongos, echándola pulverizada en polvo o disuelta con agua, en las raíces o las hojas, pero no tiene ningún efecto fungicida; los hongos terminarán por desarrollarse sin problemas.
• Cáscara de huevo. Es rica en minerales, pero no se descompone, ni tiene calcio que puedan aprovechar las plantas, ni siquiera triturada. A menudo conservan restos minúsculos de huevo que podría generar pudrición o atraer insectos o bacterias.
• Agua de cocer verduras, caldos y zumos. Por mucho que tengan vitaminas y minerales, no tienen ningún beneficio para las plantas. Si además tienen sal u otros aditivos, por muy poca que sea, puede matar a la planta. Y habitualmente provocan pudrición de las raíces y un exceso de humedad en la tierra.

Si nuestra planta tiene falta de nutrientes, hay que acudir a abonos orgánicos específicos; cuando el problema es un hongo, la solución son los fungicidas. Las plagas de insectos como mosca blanca, pulgones o arañas exigen tratamientos específicos, así como las enfermedades concretas de cada planta. Ante la duda, lo mejor es acudir a un profesional.

Las sobras de comida, al contenedor correspondiente de desechos orgánicos, salvo que tengamos espacio en el jardín o terraza para producir nuestro compost. Hay que reconocer que lo de tirar los restos de alimentos a las macetas es, además, un poco guarrete.

'El jovencito Frankenstein': 10 claves de la película que nos enseñó el lado más divertido del terror

(Un texto de Rafael Sánchez Casademont en Fotogramas.es del 12 de febrero de 2020)

Hace ya 45 años que Mel Brooks y Gene Wilder se encargaron de enseñarnos para siempre lo divertido que podía ser el cine de terror. Casi medio siglo después, seguimos riéndonos de cada mítico gag de esta parodia de Frankenstein, casi más famosa que la película original. Repasemos 10 de los elementos más inolvidables de esta comedia de éxito.

1. La parodia del terror, todo un nuevo género

Nunca nos podíamos haber imaginado que transformar el terror en comedia pudiese ser tan gracioso. Si atendemos a la última oleada de películas paródicas acabadas en ‘Movie’ podríamos volver a dudarlo. Sin embargo, siempre estará esta magnífica película sobre ‘Frankenstein’ para recordádnoslo. Inspirada en la versión del 31 dirigida por James Whale, Brooks se peleó con media plantilla de la productora para mantener la película en blanco y negro. Sin duda, una de las cosas que más especial hace a ‘El jovencito Frankenstein’ es que, además de una gran comedia, es una gran película de Frankenstein.

2. Mel Brooks y divertirse haciendo cine

‘Sillas de montar calientes’ ya nos enseñó lo que Brooks y Wilder podían hacer juntos con un buen material. ‘El jovencito Frankenstein’ creó un género en sí mismo. El terror cómico y la parodia ya no dejarían de asaltar las carteleras desde entonces pero Brooks tuvo que luchar bastante para convencer a los productores de que, para hacer una parodia de las películas de terror de la Universal, tenía que hacer una película de terror de la Universal. Además de defender la fotografía en blanco y negro, Brooks encontró al mismo hombre que creo los aparatos eléctricos del laboratorio de Frankenstein en la versión del 31. Resultó que aún los tenía en su poder y pudo utilizarlos, acercándose como pocos a su espejo paródico. Para que nos hagamos una idea de como era rodar con Brooks, dicen que cuando ya quedaban muy pocas escenas por rodarse, el equipo se lo estaba pasando tan bien que añadieron más secuencias solo para seguir filmando unos días más…

3. Gene Wilder, un genio en plena forma

Dicen que Gene Wilder era tan malo aguantándose la risa que tenían que rodar al menos 15 tomas para que se acostumbrase al chiste y consiguiese aguantarse la carcajada. Una vez que lo conseguía, sin embargo, no tenía rival. Muestra total de que la mejor actuación cómica es la que se toma muy en serio a su personaje, Wilder nos regaló un Doctor Frankenstein (o Fronkonsteen según le preguntes) llenó de pasión, de ojos encendidos y melancólicas maneras. Era pura elegancia disparatada, una bestia carismática de rizos de oro que, con permiso de Willy Wonka, siempre sería recordado por este papel. Para él, al menos, era su trabajo favorito.

4. Igor y la joroba mágica

La inconfundible mirada de Marty Feldman nos confirmó algo que ya sospechábamos, que si había una fuente de humor en esta historia iba a ser la del asistente jorobado. Pero la encarnación de Feldman va mucho más allá del humor físico. Además de esa joroba que se mueve de lugar (un añadido al guion porque el actor siempre la estaba moviendo de sitio), es el amaneramiento de sus diálogos, las miraditas y gestos y, especialmente, la profunda extrañeza de su interpretación cómica lo que hace de su personaje el más inolvidable de la película, ese al que sales del cine queriendo imitar.

5. Elizabeth, la novia de Frankenstein

Para muchos, ‘La novia de Frankenstein’, del mismo James Whale, superó cuatro años más tarde a la primera película. Se convirtió en todo un clásico de culto acompañado de un peinado femenino cuyas dos mechas blancas en los lados son aún más icónicos que los tornillos del lado masculino del matrimonio Frankenstein. Madeline Kahn era la novia de este Frankenstein, tanto del doctor primero como del monstruo después. A todos nos sacó más de una sonrisa negándole a su prometido cualquier contacto con una serie de excusas inverosímiles pero es, sin duda, su primer orgasmo, casi operístico, su gran momento en la cinta.

6. Inga y lugares para revolcarse

En el lado contrario está Inga, interpretada por Teri Garr. La intérprete había realizado la audición para Elizabeth pero Kahn cambió de papel en el último momento y Brooks la llamó para saber si estaría interesada en hacer un papel con acento alemán. Cuentan que Garr le respondió “Vell, yes, I could do zee German ackzent tomorrow, I could come back zis afternoon". Aunque su personaje de atractiva, torpe y simplona ayudante es el que más ha envejecido, no deja de ser uno de los más simpáticos de la cinta, sobre todo, si lo comparas con Elizabeth. Ella es la que acaba cantando… Y nos alegramos de que sea así.

7. Leche caliente y música

Cloris Leachman es Frau Blücher, el ama de llaves y amante del difunto Doctor Frankenstein. Partiendo, como Igor, del papel de sirviente creepy, la envejecida Leachman se las arregló para infantilizar su papel y convertirlo en uno de los más entrañables. La nostalgia de Frau Blücher por los viejos tiempos le hace besar los cuadros del Barón Frankenstein, tocar el violín para rememorar tiempos pasados y, debido al parecido de Fronkonsteen con Frankenstein, crear un delirante diálogo mayoritariamente improvisado. Hablamos, claro, de esa escena en la que la sirviente no para de insinuarse ofreciendo toda clase de bebidas calientes a su dueño.

8. Puttin on the Ritz by El monstruo 

Dicen que Gene Wilder, Masty Feldman y Peter Boyle, que interpreta al monstruo, acabaron en la película juntos por el simple hecho de compartir agente. A veces las cosas buenas son así de sencillas de lograr. Boyle, como Feldman y Wilder, tenía un físico y un rostro particular, como si hubiese sido hecho a propósito para interpretar al monstruo de Frankenstein, pero dando más risa que miedo. En la película hace poco más que gritar pero la inocencia y expresividad de sus ojos es digna del mejor actor mudo. Y, aun así, su momento más inolvidables es el musical, cuando emula junto a Wilder al gran Fred Astaire.

9. Gene Hackman, un cameo ciego

Pocos se dan cuenta, cuando el monstruo tiene sus dos famosos encuentros con la niña y el ermitaño ciego, que este último está interpretado nada menos que por Gene Hackman. El actor era amigo de Brooks y le hacía ilusión aparecer en la película. Una buena barba, algo de maquillaje y encontrarse en una película en la que lo ridículo no desentonaba precisamente, hacen que ni nos demos cuenta. Él y Garr (Inga) habían ganado la Palma de Oro ese año por otra película muy distinta, ‘La conversación’ de Francis Ford Coppola.

10. El sexo, Sweet mystery of life

Solo Inga y Elizabeth saben por qué el enorme “Schwanzstück” de la creación del Doctor Frankenstein les hace cantar sobre los dulces misterios de la vida. Un chiste verde, humor básico pero genial. Es el gag con el que cierra la cinta y que viene a recordarnos otra de las cosas por las que ‘El jovencito Frankenstein’ es tan magistral, porque nunca quiso serlo. Hacer reír era su objetivo, sin duda más difícil, y lo sigue consiguiendo, 45 años después.